FORM-Idea

Entrevista a M.-T. Ross

– Sus esculturas fascinan por su efecto tridimensional. ¿Qué técnicas utiliza para conseguir ese efecto?

M.-T. Ross: Cuando estudiaba la licenciatura en Bellas Artes, empecé a experimentar con la pintura en tres dimensiones. Usaba dos o tres lienzos viejos, los recortaba, los pegaba de diferentes formas y pintaba por el reverso, añadiendo también objetos que encontraba. Estos trabajos estaban inspirados en edificios que había fotografiado durante un intercambio en Estados Unidos. Los relieves que creaba parecían enormes collages caóticos, llenos de elementos desordenados. Sentía que ese tipo de composición conectaba mejor con nuestra forma de ver el mundo, y me resultaban mucho más interesantes que los formatos tradicionales, como los rectángulos o cuadrados.

En mi último año, empecé a inventar mis propios elementos para esos collages, en lugar de usar solo objetos encontrados en la calle. Fue entonces cuando comencé a trabajar con resina acrílica, yeso y arcilla, y me di cuenta de que aún tenía mucho por descubrir sobre los materiales y los procesos escultóricos.

Ya en la Universidad de Pensilvania (UPenn), me metí de lleno con la madera. Me di cuenta de que ese material encajaba mucho mejor con mi estilo de dibujo que el metal. La madera te permite pegar, tallar, cortar… es muy versátil y responde muy bien a la inspiración del momento. La escultura es algo muy físico, bastante demandante. Yo construyo mis piezas a partir de capas de madera para crear formas grandes y complejas, y después voy esculpiendo y añadiendo otros materiales, como objetos encontrados, plumas, pan de oro o telas tratadas. Al final, pinto todo con óleo, como si fueran pinturas tridimensionales. Me inspiro en las primeras esculturas griegas y egipcias, y también en las esculturas religiosas de madera policromada de Alemania.

– Usted dice que se inspira en la literatura y la mitología. ¿Cree que estos elementos pueden trascender las barreras culturales?

Sí, definitivamente. De hecho, han descrito mi trabajo como una forma de realismo mágico. Me inspiro en muchas fuentes distintas: literatura, relatos biográficos, imágenes que observo o que imagino… Analizo las formas y trato de resaltar la materialidad de la madera. Muchas de mis esculturas están centradas en mujeres fuertes e independientes de la literatura o la mitología, pero retratadas en momentos de vulnerabilidad. Un ejemplo es Dafne, el personaje de la mitología griega que, al huir de Apolo, se transforma en un árbol. En mi versión, Dafne está trepando una escalera que no está fija, atrapada en ese proceso de transformación.

La esculpí con el torso tallado en un tronco de árbol torcido, un pie pegado a la base de la escalera y una mano casi deshilachada. Cerca de ella hay un pájaro enorme, que está graznando. Es una escena muy simbólica. Para mí, los relatos, los mitos, capturan la imaginación, y ayudan al espectador a conectar con lo que está viendo. Casi todo el mundo recuerda algún mito, alguna historia.

Así que sí, para responder a su pregunta: creo que el arte puede ser una forma muy poderosa de trascender las barreras culturales. Cada cultura tiene sus propios relatos, y todos aprendemos a leer y a escribir a través de historias. Es algo profundamente arraigado en la naturaleza humana.

– ¿Tiene alguna escultura favorita?

No tengo una favorita como tal, pero sí me pasa que me encariño con ciertas obras, sobre todo cuando son recientes o representan una novedad en mi trabajo, algo que siento que marca una evolución. Mucha gente, por ejemplo, siente una conexión especial con mi escultura Nena, que está inspirada en un personaje de una novela de Gabriel García Márquez. Lleva un vestido rojo que alude al destino trágico de una recién casada que sangra lentamente porque una rosa le ha herido un dedo. Creo que lo que más impacta de esa obra es su tamaño, es lo primero que llama la atención. Pero también hay algo en la mezcla de belleza y fragilidad que la hace especialmente evocadora.

– ¿Su trabajo lleva a veces un mensaje político?

En general, no considero que mi trabajo sea político. Pero es verdad que, en ocasiones, surge como una reacción a ciertos acontecimientos. Por ejemplo, Oblivion, el sueño del Brexiter fue claramente una respuesta al referéndum del 23 de junio de 2016. Estaba furiosa cuando esculpí esa cabeza, y el proceso fue casi catártico para mí. Lamentablemente, claro, no cambió nada… ¡pero al menos me permitió canalizar esa frustración!

– ¿Cree que las crisis personales o los acontecimientos dramáticos pueden alimentar la creatividad?

Sí, absolutamente. En mi caso, por ejemplo, después de la muerte de mis padres, creé varias obras que surgieron directamente de ese duelo. Me siento especialmente orgullosa de una serie de dibujos y collages que hice poco después del fallecimiento de mi padre. La titulé Mi padre, Freud y otras historias. Está inspirada en el famoso caso clínico de Sigmund Freud conocido como El hombre de los lobos, donde un paciente queda traumatizado por una pesadilla recurrente: unos lobos blancos, sentados en un nogal, lo observan cada noche desde la ventana.

Esa serie también se conecta con la historia personal de mi propio padre, que, siendo niño en Viena, llegó a conocer al doctor Freud. Fue una manera de explorar tanto la memoria familiar como los ecos más profundos del subconsciente.

– ¿Cómo reaccionan los niños ante su arte?

Mi trabajo no está pensado específicamente para un público infantil. Aunque en mi labor como educadora en museos sí me dedico a ayudar a los niños a conectarse con colecciones visuales —ya sean cuadros u objetos—, mis propias obras no están dirigidas a ellos. Es verdad que algunas piezas pueden recordar elementos de cuentos de hadas, pero no son obras para la infancia.

Cuando los más jóvenes se enfrentan a mi trabajo, suelen reaccionar sobre todo a la desnudez de los cuerpos femeninos o al material —la madera—, que les llama mucho la atención. A veces incluso lo encuentran inquietante o un poco espantoso, lo cual también me parece interesante. Esa reacción emocional ya es una forma de conexión.

– ¿Ha ilustrado libros de historia para niños con sus dibujos?

Sí, me lo han propuesto. Varios autores me han invitado a conversar sobre ideas nuevas, pero la verdad es que los editores suelen preferir trabajar con sus propios ilustradores. Además, yo no tengo una formación específica en ilustración infantil, y ese es un campo muy particular dentro del mercado editorial.

Lo que sí he hecho es ilustrar folletos y materiales didácticos relacionados con actividades para niños en los museos donde trabajé en su momento. Era una manera de combinar la educación con lo visual, algo que siempre me ha interesado.

– Ha expuesto varias veces en el Reino Unido y en Estados Unidos. ¿Cómo compara la recepción de su trabajo por parte de la crítica americana con la británica?

En general, las reacciones han sido muy positivas en ambos lados del Atlántico. No es fácil llamar la atención de la crítica, eso está claro. Pero cuando tu trabajo llega a públicos y críticos de dos continentes, es una experiencia muy enriquecedora.

Lo que más suele destacar la crítica —tanto americana como británica— es la cualidad táctil de mis esculturas, esa sensación casi física que transmiten, y también el componente narrativo, los relatos que cada pieza sugiere o contiene.